Eseje: Sosaku Hanga

japoński ukiyo-e Drzeworyty wywarły ogromny wpływ na artystów zachodnich. Vincent van Gogh jest często wspominany w tym kontekście, ale niemal każdy artysta w drugiej połowie XIX wieku pozostawał pod wpływem JaponizmWcześni kolekcjonerzy, tacy jak bracia Goncourt, byli przekonani, że złoty wiek japońskich grafik minął już dawno i zakończył się wraz ze śmiercią Hokusaia w 1849 roku. Toyokuni III (= Utagawy Kunisady(1786–1864) i Utagawy Kuniyoshiego (1798–1861) uważano za „dekadentów”, choć niechętnie zrobiono wyjątek Utagawy Hiroshige (1797–1858), zwłaszcza za jego wczesne pejzaże.

Ostatnia ćwierć XIX wieku przyniosła Japonii głębokie zmiany. Z kraju zasadniczo średniowiecznego Japonia przekształciła się w naród nowoczesny, najpierw demonstrując swoją nową potęgę, pokonując Chiny w krótkiej i krwawej wojnie w latach 1894–1895, a następnie powtarzając ten wyczyn, pokonując Rosję w 1905 roku. W dziedzinie drzeworytów zmiany były również dramatyczne – nie na tę samą skalę polityczną czy społeczną, ale równie fundamentalne.

Wojna chińsko-japońska z lat 1894–1895 była w istocie sceną ostatniego rozkwitu tradycyjnego ukiyo-eWojnę starannie uwiecznili artyści drzeworytów, którzy ukazali szerokiej publiczności bohaterskie czyny armii japońskiej i upokarzające klęski Chińczyków. Powstało wiele tryptyków wojennych (senso-e) zostały opublikowane i chętnie kupione przez dumnych obywateli.

Następnie, około 1900 roku, przewagę zyskały nowe techniki reprodukcji: litografie i staloryty były tańsze i dawały dobre rezultaty. Co więcej, były „nowoczesne” i to samo w sobie stanowiło silną atrakcję dla Japończyków. Wydawcy drzeworytów znaleźli się w trudnej sytuacji: mogli konkurować jedynie poprzez produkcję druków przewyższających te wykonane nowoczesnymi metodami. Można śmiało stwierdzić, że jakość drzeworytów publikowanych między 1900 a około 1910 rokiem była najwyższa w historii — niekoniecznie pod względem wartości artystycznej (choć powstało wiele znakomitych druków), ale pod względem technicznej doskonałości. Przykładami są druki Yamamoto Shoun (1870–1965), jak np. jego seria Ima Sugata, pokazujące popiersia współczesnych piękności i większość druków opublikowanych przez Matsukiego Heikichiego. Mimo to wydawcy tradycyjnych drzeworytów toczyli przegraną walkę: znacznie mniej kolorowych senso-e zostały opublikowane w czasie wojny rosyjsko-japońskiej w latach 1904–05.

Pierwsza dekada XX wieku była niezwykle ekscytującym okresem dla wszystkich japońskich artystów. Pojawiło się wiele ruchów, zmieniały się sympatie i nieustannie zmieniały grupy. Był to okres manifestów i artystów zmuszonych do dokonywania kolejnych fundamentalnych wyborów. Wielu z nich było w Europie – dla nich wyjazd za granicę był równie wielkim obowiązkiem, jak Wielka Podróż do Włoch dla młodych angielskich dżentelmenów w XVIII i XIX wieku. Wielcy artyści podróżowali ramię w ramię z nieznanymi.

Takeuchi Seihô (1864–1942), już wówczas znany malarz, podróżował po Europie w 1900 roku i powrócił w 1901 roku. Japońscy artyści byli dobrze poinformowani o rozwoju sztuki w Europie. Głównym źródłem inspiracji był niemiecki magazyn Młodzież, założone w 1896 roku, które dokładnie studiowali. Czasopismo Hôsun, rozpoczęte w 1907 roku przez Ishii Hakutei (1882–1958), był bezpośrednio wzorowany na MłodzieżKilka lat wcześniej, w 1904 roku, Ishii opublikował druk Yamamoto Kanae (1882–1946) w swoim czasopiśmie Myojo. Ten wydruk, Gyofu — Obraz rybaka — jest powszechnie uważany za pierwszą prawdziwą Sôsaku Hanga wydrukować.

Watanabe Shôzaburô był biznesmenem (choć zaprojektował też kilka grafik krajobrazowych) i to właśnie Sôsaku Hanga Artyści nie. Nie interesowały ich edycje ani sprzedaż; eksperymentowali przede wszystkim z drzeworytami jako środkiem osobistej ekspresji. Wiele odbitek powstawało w zaledwie kilku egzemplarzach, zanim artysta przeszedł do nowego pomysłu. Większość wczesnych Sôsaku Hanga Artyści byli przeszkoleni w zakresie malarstwa, a niektórzy z nich wykonali jedynie niewielką liczbę drzeworytów, zanim powrócili do malarstwa. Poza Ishii Hakutei, Minami Kunzô W tym kontekście często wspomina się o malarzu (1883–1950). Stworzył on ograniczoną liczbę niezwykle sugestywnych pejzaży, bardzo przypominających akwarele, wystawionych na indywidualnej wystawie w 1911 roku – pierwszej tego typu wystawie w Japonii.

Era Taishō, która rozpoczęła się w tym samym roku, była krótkim, ale dynamicznym okresem w nowożytnej historii Japonii, często określanym jako japońska wersja szalonych lat dwudziestych. Oficjalnie trwała od 1912 do 1926 roku (za panowania cesarza Taishō), a określenie „kultura Taishō” przywołuje na myśl społeczeństwo w okresie transformacji w latach 20. i na początku lat 30. XX wieku, kiedy to zachodnia era jazzu zderzyła się z tradycyjnymi japońskimi wartościami harmonii i umiaru. Wraz z rozwojem Japonii na arenie międzynarodowej, przepaść między tradycyjną populacją rolniczą a nowoczesnym sektorem przemysłowym, narodzonym w epoce Meiji, jeszcze się pogłębiła.

Dla Sôsaku Hanga Dla artystów był to przełomowy okres, pełen nowych inicjatyw i rozwoju artystycznego. W 1910 roku, kilka lat wcześniej, ukazał się miesięcznik Shirakaba (Biała brzoza) — najbardziej wpływowe wydawnictwo kształtujące życie intelektualne okresu Taishō. Shirakaba Sponsorował również wystawy sztuki zachodniej. W 1915 roku odbyła się duża wystawa niemieckiego ekspresjonizmu, głównie drzeworytów, która niemal zbiegła się z początkiem działalności nowego magazynu. Tsukubae w 1914 roku. Tsukubae została założona przez Kôshirô Onchi (1891–1955) wraz z Shizuo Fujimoriego (1891–1943) i Kyôkichi Tanaka (1892–1915), gdy byli jeszcze studentami Tokijskiej Szkoły Artystycznej.

Wpływ sztuki europejskiej na Sôsaku Hanga Ruch był ogromny. W Europie grafika była uznawana za prawowitą formę ekspresji artystycznej, równą malarstwu czy rzeźbie. W Japonii jednak nadal była postrzegana głównie jako rzemiosło lub środek reprodukcji. Shin Hanga opublikowane przez Watanabe pomogło podnieść postrzeganie Sôsaku Hanga i przyniósł nowe zainteresowanie sztuką grafiki.

W 1918 roku Nihon Sôsaku Hanga Kyôkai (Japońskie Towarzystwo Grafiki Kreatywnej). Stało się ono główną organizacją zrzeszającą grafików kreatywnych aż do swojego rozwiązania w 1931 roku, a następnie odrodziło się jako Nihon Hanga Kyôkai (Japońska Spółdzielnia Drukarska).

W latach dwudziestych XX wieku czasopisma drukowane odegrały istotną rolę, dając artystom możliwość zaprezentowania swoich prac. Sôsaku Hanga wystawy były wciąż rzadkością, a te magazyny wypełniły tę lukę. Najważniejsze było Hanga, rozpoczęte przez Yamaguchi Hisayoshi w 1924 roku. Właściciel Hanga nie tj („Dom Druków”) w Kobe, Yamaguchi opublikował wcześniej Un'ichi Hiratsuka szereg Tokio shinsai ato fûkei (Tokio po trzęsieniu ziemi(1923–1927). Hanga„Czasopismo”, wydawane cztery razy w roku, nie było czasopismem w zwykłym tego słowa znaczeniu, lecz raczej teczką oprawionych rycin. Ryciny były niewielkich rozmiarów (około 16 × 12 cm) i szacuje się, że otrzymało je około 300 prenumeratorów. Publikacja została zakończona w 1930 roku.

Na uwagę zasługują również dwie ważne serie wydawnicze sprzed wojny: w latach 1916-1920 wydawca Nakajima Jûtarô wytworzony Nihon fûkei hanga (Wydrukuj sceny z Japonii), składający się z dziesięciu zestawów po pięć odbitek każdy. W latach 1928–1932 ten sam wydawca wydał Shin Tôkyô Hyakkei (Sto widoków Nowego Tokio), z udziałem ośmiu wybitnych artystów — Senpana Maekawy, Shizuo Fujimoriego, Kôshirô Onchi, Takashi Henmi, Un'ichi Hiratsuka, Sumio Kawakami, Sakuichi Fukazawa, I Kanenori Suwa — krótko mówiąc, wszystkie kluczowe Sôsaku Hanga artystów okresu przedwojennego.

Lata 30. XX wieku upłynęły pod znakiem Wielkiego Kryzysu, który dotknął również Stany Zjednoczone.S… i Europie. Nacjonalizm stał się dominującą siłą; wojsko doszło do władzy, partie polityczne osłabły, a rządy demokratyczne praktycznie zanikły. Jednak Sôsaku Hanga Artyści kontynuowali tworzenie dzieł, na które zmiany polityczne nie miały praktycznie żadnego wpływu. Shin Hanga artyści stworzyli także ważne dzieła w tej dekadzie, a dwa najważniejsze Shin Hanga wystawy odbyły się w U.S. (Muzeum Sztuki w Toledo, 1930 i 1936).

Lata wojny (1939–1945) były dla Polski momentem przełomowym. Sôsaku Hanga ruch. Ten Ichimokukai („Towarzystwo Pierwszego Czwartku”) – później kluczowe dla powojennego odrodzenia japońskich druków – zostało założone w 1939 roku przez grupę, która spotykała się w Kôshirô Onchi's Dom w Tokio. Członkowie spotykali się co miesiąc, aby omawiać odbitki i wymieniać się pomysłami. Wśród pierwszych uczestników byli Generał Yamaguchi (1896–1976) i Jun'ichirô Sekino (1914–1988). Po wojnie amerykańscy znawcy Ernst Hacker, William Hartnett I Oliver Statler brał również udział w tych spotkaniach, przyczyniając się do ponownego zainteresowania Zachodu japońskimi grafikami.

Już w czasie wojny, w 1944 roku, powstał pierwszy zestaw odbitek z Ichimokushû („Pierwsza Kolekcja Czwartkowa”), którą członkowie tworzyli w celu wzajemnej wymiany, powstała jako niezwykły akt artystycznej wytrwałości pośród wojennych niedoborów.

Jednym z najbardziej ironicznych skutków klęski Japonii i późniejszego kryzysu USA jest...S. Zajęcie polegało na tym, że sami Amerykanie odkryli Sôsaku Hanga i odegrał kluczową rolę w rozpoznaniu i promocji jego wartości artystycznej. William Hartnett, wcześniej wspomniany jako jeden z uczestniczących Amerykanów Ichimokukai spotkania po wojnie, przybył do Japonii wraz z siłami okupacyjnymi, gdzie jego zadaniem było organizowanie koncertów i wystaw dla personelu. Nawiązał kontakt z Kôshirô Onchi i jego grono artystów — i od tego momentu wszystko zaczęło się szybko rozwijać.

Sôsaku Hanga stały się obiektem powszechnego zainteresowania kolekcjonerów; ceny wzrosły i po raz pierwszy niektórzy artyści mogli utrzymać się ze swojej pracy. W 1951 roku dwóch japońskich grafików — Tetsurô Komai (1920–1976) i Kiyoshi Saito (1907–1997) — zdobyły pierwsze nagrody na Biennale Sztuki w São Paulo, co stanowiło punkt zwrotny w międzynarodowym uznaniu nowoczesnej japońskiej grafiki.

W 1959 roku Oliver Statler opublikowany Współczesne japońskie grafiki: odrodzenie sztuki, przełomowa książka, która pomogła zachodnim odbiorcom docenić Sôsaku HangaRok później współpracował przy przełomowej wystawie w Instytucie Sztuki w Chicago — Nowoczesne grafiki japońskie: Sôsaku Hanga — na której pokazano 278 prac i ugruntowała się reputacja ruchu za granicą.

W kolejnych dekadach Sôsaku Hanga rozkwitła. Wielu jej artystów żyło wyjątkowo długo — Un'ichi Hiratsuka Rekord ten należy do niego, ponieważ zmarł w wieku 102 lat, wkrótce po udziale w retrospektywie jego twórczości – i nadal tworzyli dzieła o niezmiennie wysokiej jakości. Wkrótce w ich ślady poszło młodsze pokolenie, zapewniając ruchowi żywotność aż do końca XX wieku.

W ostatnim ćwierćwieczu w Japonii nadal wykonywano drzeworyty, ale wielu artystów sięgnęło po nowe techniki: sitodruki, litografie, akwaforty, akwatinty i mezzotinty stały się powszechne. Dzieła te stopniowo zintegrowały się z szerszym, międzynarodowym światem sztuki, a ich rezultaty nie były już jednoznacznie „japońskie”.

Dziś dziedzictwo to jest kontynuowane poprzez energiczny globalny ruch często nazywany Nowa Hanga — artyści spoza Japonii tworzący drzeworyty w tradycyjny japoński sposób. Do najlepszych przykładów należą: Paweł Binnie (Wielka Brytania, urodzony w 1967 r.) i Tom Kristensen (Australia, urodzony w 1962 roku). Nie zamykają rozdziału w długiej tradycji, ale raczej go poszerzają – eksplorując nieograniczone możliwości twórcze techniki drzeworytu.