Essays: Sosaku Hanga

Japanische Ukiyo-e- Holzschnitte übten einen tiefgreifenden Einfluss auf westliche Künstler aus. Vincent van Gogh wird in diesem Zusammenhang oft genannt, doch nahezu jeder Künstler der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts stand unter dem Einfluss des Japonismus . Frühe Sammler wie die Brüder Goncourt waren überzeugt, das goldene Zeitalter japanischer Drucke sei längst vorbei und mit Hokusais Tod im Jahr 1849 endgültig beendet gewesen. Toyokuni III. (= Utagawa Kunisada , 1786–1864) und Utagawa Kuniyoshi (1798–1861) galten als „Dekadenten“, wobei für Utagawa Hiroshige (1797–1858), insbesondere für seine frühen Landschaftsbilder, eine Ausnahme gemacht wurde.

Das letzte Viertel des 19. Jahrhunderts brachte Japan tiefgreifende Veränderungen. Aus einem im Wesentlichen mittelalterlichen Land wandelte sich Japan zu einer modernen Nation, die ihre neue Macht zunächst durch den Sieg über China in einem kurzen, aber blutigen Krieg 1894/95 demonstrierte und diesen Erfolg 1905 mit dem Sieg über Russland wiederholte. Auch im Bereich des Holzschnitts waren die Veränderungen dramatisch – zwar nicht im gleichen politischen oder sozialen Ausmaß, aber ebenso grundlegend.

Der Chinesisch-Japanische Krieg von 1894/95 war die Bühne für die letzte Blütezeit des traditionellen Ukiyo-e . Die Holzschnittkünstler dokumentierten den Krieg eingehend und zeigten der Öffentlichkeit die Heldentaten der japanischen Armee und die demütigenden Niederlagen der Chinesen. Zahlreiche Kriegstriptychen ( Senso-e ) wurden veröffentlicht und von der stolzen Heimatfront eifrig erworben.

Um 1900 setzten sich neue Reproduktionstechniken durch: Lithografien und Stahlstiche waren günstiger und lieferten ebenfalls gute Ergebnisse. Zudem galten sie als „modern“, was allein schon eine starke Anziehungskraft auf die Japaner ausübte. Die Verleger von Holzschnitten gerieten in eine schwierige Lage: Sie konnten nur konkurrieren, indem sie Drucke produzierten, die die mit modernen Mitteln hergestellten übertrafen. Man kann mit Fug und Recht behaupten, dass die Qualität der zwischen 1900 und etwa 1910 veröffentlichten Holzschnitte ihren Höhepunkt erreichte – nicht unbedingt im künstlerischen Wert (obwohl viele hervorragende Drucke entstanden), sondern in technischer Brillanz. Beispiele hierfür sind Drucke von Yamamoto Shoun (1870–1965), wie seine Serie „Ima Sugata“ mit Porträts zeitgenössischer Schönheiten, und die meisten von Matsuki Heikichi veröffentlichten Drucke. Dennoch führten die Verleger traditioneller Holzschnitte einen aussichtslosen Kampf: Während des Russisch-Japanischen Krieges von 1904/05 wurden deutlich weniger farbige Senso-e- Holzschnitte veröffentlicht.

Das erste Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts war eine aufregende Zeit für alle japanischen Künstler. Es gab zahlreiche Strömungen, wechselnde Allianzen und sich ständig verändernde Künstlergruppen. Es war eine Zeit der Manifeste und der Künstler, die immer wieder grundlegende Entscheidungen treffen mussten. Viele waren in Europa gewesen – für sie war die Reise ins Ausland eine ebenso große Pflicht wie die Grand Tour nach Italien für junge englische Gentlemen im 18. und 19. Jahrhundert. Bedeutende Künstler reisten Seite an Seite mit unbekannten.

Takeuchi Seihô (1864–1942), bereits ein berühmter Maler, bereiste 1900 Europa und kehrte 1901 zurück. Japanische Künstler waren über die künstlerischen Entwicklungen in Europa bestens informiert. Eine wichtige Inspirationsquelle war die 1896 gegründete deutsche Zeitschrift „Jugend“ , die sie eingehend studierten. Die 1907 von Ishii Hakutei (1882–1958) gegründete Zeitschrift „Hôsun“ war direkt an „Jugend“ angelehnt. Einige Jahre zuvor, 1904, hatte Ishii in seiner Zeitschrift „Myojo“ einen Druck von Yamamoto Kanae (1882–1946) veröffentlicht. Dieser Druck, „Gyofu“ – Bild eines Fischers –, gilt allgemein als der erste echte Sôsaku-Hanga -Druck.

Watanabe Shôzaburô war Geschäftsmann (obwohl er auch einige Landschaftsdrucke entwarf), und genau das war das Gegenteil der Künstler der Sôsaku Hanga-Bewegung . Sie kümmerten sich nicht um Auflagen oder Verkaufszahlen; sie experimentierten vor allem mit Holzschnitten als Mittel des persönlichen Ausdrucks. Viele Drucke wurden nur in wenigen Exemplaren angefertigt, bevor sich der Künstler einer neuen Idee zuwandte. Die meisten der frühen Sôsaku Hanga -Künstler waren als Maler ausgebildet, und einige fertigten nur wenige Holzschnitte an, bevor sie zur Malerei zurückkehrten. Neben Ishii Hakutei wird in diesem Zusammenhang oft Minami Kunzô (1883–1950) erwähnt. Er schuf eine begrenzte Anzahl ausdrucksstarker Landschaftsdrucke, die Aquarellen sehr ähnlich waren, und stellte sie 1911 in einer Einzelausstellung aus – der ersten Ausstellung dieser Art in Japan.

Die Taishō-Ära, die im selben Jahr begann, war eine kurze, aber dynamische Periode in der modernen japanischen Geschichte und wird oft als japanisches Pendant zu den Goldenen Zwanzigern beschrieben. Offiziell dauerte sie von 1912 bis 1926 (der Regierungszeit von Kaiser Taishō). Der Begriff „Taishō-Kultur“ evoziert eine Gesellschaft im Umbruch der 1920er und frühen 1930er Jahre, als das westliche Jazz-Zeitalter auf traditionelle japanische Werte wie Harmonie und Zurückhaltung traf. Mit Japans Aufstieg zur internationalen Macht vergrößerte sich die Kluft zwischen der traditionellen Agrarbevölkerung und dem modernen Industriesektor, der in der Meiji-Zeit entstanden war, weiter.

Für die Künstler der Sōsaku-Hanga war dies eine entscheidende Zeit voller neuer Initiativen und künstlerischer Entwicklungen. Bereits 1910, einige Jahre zuvor, war die Monatszeitschrift „Shirakaba “ ( Weiße Birke ) erschienen – die einflussreichste Publikation, die das intellektuelle Leben der Taishō-Zeit prägte. „Shirakaba“ förderte auch Ausstellungen westlicher Kunst. 1915 fand eine große Ausstellung des deutschen Expressionismus, vorwiegend Holzschnitte, statt, die fast zeitgleich mit dem Start der neuen Zeitschrift „Tsukubae“ im Jahr 1914 stattfand. „Tsukubae“ wurde von Kōshirō Onchi (1891–1955) zusammen mit Shizuo Fujimori (1891–1943) und Kyōkichi Tanaka (1892–1915) gegründet, während diese noch Studenten an der Kunsthochschule Tokio waren.

Der Einfluss europäischer Kunst auf die Sōsaku-Hanga -Bewegung war immens. In Europa galt der Holzschnitt als legitime künstlerische Ausdrucksform, gleichwertig mit Malerei und Bildhauerei. In Japan hingegen wurde er größtenteils noch als Handwerk oder Reproduktionsmittel betrachtet. Die von Watanabe herausgegebene Zeitschrift „ Shin Hanga“ trug dazu bei, das Ansehen der Sōsaku-Hanga-Bewegung zu verbessern und der Druckgrafik neues Interesse zu verleihen.

Im Jahr 1918 wurde die Nihon Sôsaku Hanga Kyôkai (Japanische Gesellschaft für Kreative Druckgrafik) gegründet. Sie wurde zur wichtigsten Organisation für kreative Druckgrafiker bis zu ihrer Auflösung im Jahr 1931 und wurde später als Nihon Hanga Kyôkai (Japanische Druckgenossenschaft) wiedergegründet.

In den 1920er Jahren spielten Printmagazine eine entscheidende Rolle, indem sie Künstlern Möglichkeiten boten, ihre Werke zu präsentieren. Sôsaku-Hanga- Ausstellungen waren noch selten, und diese Magazine füllten diese Lücke. Das wichtigste war „Hanga“ , gegründet 1924 von Yamaguchi Hisayoshi . Yamaguchi, Inhaber des Hanga no Ie („Haus der Drucke“) in Kobe, hatte zuvor Un’ichi Hiratsukas Serie „Tokyo shinsai ato fûkei“ ( Tokio nach dem Erdbeben , 1923–1927) herausgegeben. „Hanga“ , viermal jährlich erscheinend, war kein Magazin im herkömmlichen Sinne, sondern eine Mappe mit aufgezogenen Drucken. Die Drucke waren klein (etwa 16 × 12 cm), und man schätzt, dass rund 300 Abonnenten sie erhielten. Die Publikation wurde 1930 eingestellt.

Zwei bedeutende Druckgrafikserien aus der Vorkriegszeit verdienen ebenfalls Erwähnung: Zwischen 1916 und 1920 veröffentlichte der Verleger Nakajima Jûtarô die „Nihon fûkei hanga“ ( Druckszenen aus Japan ), bestehend aus zehn Serien mit je fünf Drucken. Zwischen 1928 und 1932 gab derselbe Verleger die „Shin Tôkyô Hyakkei“ ( Hundert Ansichten von Neu-Tokio ) heraus, mit Beiträgen von acht bedeutenden Künstlern – Senpan Maekawa , Shizuo Fujimori , Kôshirô Onchi , Takashi Henmi , Un'ichi Hiratsuka , Sumio Kawakami , Sakuichi Fukazawa und Kanenori Suwa – kurzum, allen wichtigen Künstlern der Sôsaku-Hanga- Bewegung der Vorkriegszeit.

Die 1930er Jahre waren von der Weltwirtschaftskrise geprägt, die auch die USA und Europa schwer traf. Nationalismus gewann an Einfluss; das Militär gelangte an die Macht, politische Parteien verloren an Stärke, und demokratische Regierungsformen verschwanden praktisch. Dennoch schufen die Künstler der Sōsaku-Hanga weiterhin Werke, die von diesen politischen Veränderungen weitgehend unberührt blieben. Auch die Künstler der Shin-Hanga schufen in diesem Jahrzehnt bedeutende Werke, und zwei große Shin-Hanga -Ausstellungen fanden in den USA statt (Toledo Art Museum, 1930 und 1936).

Die Kriegsjahre (1939–1945) markierten einen Wendepunkt für die Sōsaku-Hanga- Bewegung. Die Ichimokukai („Gesellschaft des ersten Donnerstags“), die später maßgeblich zur Wiederbelebung japanischer Druckgrafik nach dem Krieg beitrug, wurde 1939 von einer Gruppe gegründet, die sich im Haus von Kōshirō Onchi in Tokio traf. Die Mitglieder kamen monatlich zusammen, um Druckgrafiken zu besprechen und Ideen auszutauschen. Zu den ersten Teilnehmern zählten Gen Yamaguchi (1896–1976) und Jun’ichirō Sekino (1914–1988). Nach dem Krieg schlossen sich auch die amerikanischen Kenner Ernst Hacker , William Hartnett und Oliver Statler diesen Treffen an und trugen so dazu bei, das westliche Interesse an japanischer Druckgrafik neu zu entfachen.

Bereits während des Krieges, im Jahr 1944, wurde die erste Serie von Drucken aus der Ichimokushû („Erster Donnerstag Sammlung“) hergestellt, die von ihren Mitgliedern zum Austausch untereinander geschaffen wurden – ein bemerkenswerter Akt künstlerischer Beharrlichkeit inmitten der Knappheit der Kriegszeit.

Eine der ironischsten Folgen der japanischen Niederlage und der anschließenden US-Besatzung war, dass die Amerikaner selbst Sōsaku Hanga entdeckten und eine entscheidende Rolle bei der Anerkennung und Förderung seines künstlerischen Wertes spielten. William Hartnett , der bereits als einer der Amerikaner erwähnt wurde, die nach dem Krieg an den Treffen der Ichimokukai teilnahmen, war mit den Besatzungstruppen nach Japan gekommen, wo er Konzerte und Ausstellungen für das Personal organisierte. Er kam mit Kōshirō Onchi und dessen Künstlerkreis in Kontakt – und von da an entwickelte sich alles rasant.

Sôsaku Hanga wurde zu einem begehrten Sammlerstück; die Preise stiegen, und erstmals konnten einige Künstler von ihrer Arbeit leben. 1951 gewannen zwei japanische Grafiker – Tetsurô Komai (1920–1976) und Kiyoshi Saitô (1907–1997) – erste Preise auf der Kunstbiennale von São Paulo, was einen Wendepunkt in der internationalen Anerkennung der modernen japanischen Druckgrafik markierte.

1959 veröffentlichte Oliver Statler „Modern Japanese Prints: An Art Reborn“ , ein wegweisendes Buch, das dem westlichen Publikum half, Sôsaku Hanga zu schätzen. Ein Jahr später wirkte er an einer bahnbrechenden Ausstellung im Art Institute of Chicago mit – „ Japan’s Modern Prints: Sôsaku Hanga“ –, die 278 Werke präsentierte und den Ruf der Bewegung im Ausland festigte.

In den folgenden Jahrzehnten erlebte die Sôsaku-Hanga-Bewegung ihre Blütezeit. Viele ihrer Künstler erreichten ein bemerkenswert hohes Alter – Un'ichi Hiratsuka hält den Rekord mit 102 Jahren, kurz nach dem Besuch einer Retrospektive seiner Werke – und sie schufen weiterhin Werke von konstant hoher Qualität. Eine jüngere Generation trat bald in ihre Fußstapfen und sicherte so die Vitalität der Bewegung bis weit ins späte 20. Jahrhundert hinein.

Im letzten Viertel des Jahrhunderts wurden in Japan zwar noch Holzschnitte angefertigt, doch viele Künstler hatten sich neuen Techniken zugewandt: Siebdrucke, Lithografien, Radierungen, Aquatinta- und Mezzotinto-Verfahren wurden gängig. Diese Werke integrierten sich allmählich in die breitere internationale Kunstwelt, und die Ergebnisse waren stilistisch nicht mehr ausschließlich „japanisch“.

Heute lebt dieses Erbe in einer dynamischen globalen Bewegung fort, die oft als New Hanga bezeichnet wird – nicht-japanische Künstler, die Holzschnitte in traditionell japanischer Manier anfertigen. Zu den besten Beispielen zählen Paul Binnie (GB, geb. 1967) und Tom Kristensen (Australien, geb. 1962). Sie schließen kein Kapitel einer langen Tradition ab, sondern erweitern sie – indem sie die grenzenlosen kreativen Möglichkeiten des Holzschnitts erkunden.